Transmission Audio 2.12: Mondo Exotico

Arooj Aftab, Fatima Al Qadiri, Senyawa, Siavash Amini, Gabber Modus Operandi, Yasmine Hamdan… Diez paradas. Diez artistas. Un viaje sonoro global que invierte la mirada exótica y pone el foco en las periferias sonoras y geograficas.

Un título que es una trampa deliberada

Música experimental global, soberanía sonora y una pregunta que recorre cada minuto del episodio: ¿quién tiene el derecho de decidir cómo suena su propio mundo? Esto es Transmission Audio 2.12: Mondo Exotico, el enesimo episodio de la segunda temporada.

El título no es inocente. En 1962, el documental Mondo Cane inauguró un género cinematográfico construido sobre una premisa cuestionable: filmar las costumbres de otros pueblos como si fueran rarezas para el ojo occidental. Espectáculo disfrazado de etnografía. El mundo reducido a un gabinete de curiosidades. Unos años antes, en los años cincuenta, un músico llamado Martin Denny había inventado el exotica en los bares de hotel de Honolulu: música de lounge que simulaba junglas, rituales y orientes imaginarios. Música sobre lo ajeno, hecha por alguien para quien todo lo demás era ajeno.

Transmission Audio 2.12 toma ese doble legado y lo invierte completamente. Los diez artistas y registros de esta sesión no son el objeto de ninguna mirada exótica. Son los que miran. Son los que deciden cómo suena su creacion, cuando pasa por el filtro de su mirada artistica.

Diez paradas fuera del mapa comercial

Pakistán. Kuwait. Líbano. Corea del Sur y Japón. Irán. Indonesia. España. Indonesia otra vez. Irán de nuevo. Tailandia.

Ninguno de los artistas seleccionados opera bajo un sello multinacional. Todos trabajan en estructuras independientes —a menudo sin agencia de representación ni gira convencional—, y la lista de sellos implicados forma por sí misma un mapa de la infraestructura independiente global: Hyperdub y Opal Tapes en Londres, Room40 en Brisbane, Crammed Discs en Bruselas, Alhaja Records en Barcelona, Yes No Wave en Yogyakarta, Danse Noire en Zúrich. El episodio dura entre 70 y 80 minutos con los temas completos. No hay edits de radio. La música se escucha en su duración real.

Arooj Aftab y Fatima Al Qadiri: los primeros dos destinos

El episodio arranca con Arooj Aftab y Lullaby, del álbum Bird Under Water, publicado de forma completamente independiente en 2014. Aftab nació en Riad de padres pakistaníes, creció en Lahore, estudió producción en Berklee y vive en Brooklyn. Su trabajo toma el ghazal urdu —la forma poética clásica del sur de Asia, usada durante siglos para hablar del amor divino y humano sin distinción— y lo filtra a través de jazz, electrónica analógica y producción minimalista. Lullaby no tranquiliza: suspende. Mantiene al oyente en el umbral entre el sueño y la vigilia donde el tiempo pierde sus bordes. En 2022 Aftab se convirtió en la primera artista pakistaní en ganar un Grammy. En 2014, cuando grabó esto, nada de eso existía. Solo existía la música, y ya era suficiente.

La segunda parada es Fatima Al Qadiri con Mojik (Your Waves) en Hyperdub, el sello londinense de Burial y Dean Blunt. Al Qadiri nació en Senegal, se crió en Kuwait, estudió en Nueva York y vive en París. Su trabajo es sistemáticamente conceptual: cada pieza parte de una pregunta sobre identidad, representación y poder cultural. Mojik trabaja con fragmentos de música khaleeji —el pop del Golfo Pérsico— procesados hasta que apenas reconocen su origen pero aún lo contienen. Como agua que guarda la forma del recipiente que la tuvo. En 2019 compuso la banda sonora de Atlantiques, de Mati Diop, Gran Premio en Cannes.

Yasmine Hamdan y Deena Abdelwahed: el mapa árabe independiente

La tercera parada es uno de los lanzamientos más recientes del episodio: el Club Remix que Deena Abdelwahed firma sobre Mor, de Yasmine Hamdan, publicado en Crammed Discs en febrero de 2026.

Hamdan cofundó en Beirut a finales de los noventa el dúo electrónico Soapkills —probablemente la primera banda indie en surgir de Oriente Medio. Su álbum I Remember I Forget (2025) trabaja sobre la memoria como fuerza creativa: cómo moldea y reconstruye continuamente el sentido de identidad. Deena Abdelwahed, compositora y productora tunecina afincada en París, toma esa materia y la lleva a un espacio físico y urgente sin traicionar su peso poético. La combinación no es casual. Es un mapa de cómo circula la música árabe independiente hoy: sin instituciones de intermediación, directamente entre artistas que se reconocen.

TENGGER y la expansión ilimitada del cielo

La cuarta parada llega desde Corea del Sur y Japón. TENGGER es ITTA y MARQIDO, que viajan y graban juntos. El nombre viene del mongol: expansión ilimitada del cielo. También significa mar enorme en húngaro. En Sairo, cierre de Earthing (Cardinal Fuzz, 2022), aparece por primera vez como músico su hijo RAAI, que durante años bailó mientras sus padres actuaban en directo. El álbum fue grabado en 2021 en las tierras altas de Corea del Sur tras meses de caminatas y escucha del paisaje. El mensaje que recibieron fue: no hay nada dividido, estamos conectados en la circulación de la vida. Siete álbumes. Sin sello grande. Sin agencia de gira. La reputación construida sobre coherencia sostenida.

Irán: la herida como forma de conocimiento

El episodio regresa a Irán en dos momentos distintos.

Siavash Amini presenta Severed Like The Red Moon Pt.2, del álbum homónimo publicado por Room40 en octubre de 2025. El disco está construido sobre las primeras grabaciones de piano solista de la historia de Irán: registros capturados en cilindros de cera o acetato en las primeras décadas del siglo XX. Amini los sometió a lo que llama procedimientos quirúrgicos: cortes, síntesis de transcripciones, reconstrucciones digitales. El resultado no suena a archivo ni a restauración. Suena a algo que podría no haber existido nunca y que ahora existe, irremediablemente. El título viene de una novela del escritor Houshang Golshiri. La memoria como herida. La herida como forma de conocimiento. Amini opera desde Teherán sin ninguna mediación institucional.

Más adelante aparece SOTE —alias de Ata Ebtekar— con MOSCELS O, del álbum MOSCELS (Opal Tapes, 2020). Grabado exclusivamente con modelos físicos y osciladores —MO-dels más OS-cillators, de ahí el nombre—, sin sample, sin instrumento acústico, sin ritmo identificable. Y sin embargo el origen está ahí, en la manera en que las frecuencias se relacionan entre sí, en cómo el silencio funciona no como ausencia sino como presencia de otro tipo. Dos artistas de Teherán. El mismo sello independiente británico. Sin institución de world music de intermediaria.

Indonesia: ritual, posesión y política sonora

Indonesia aparece dos veces en el episodio, en registros completamente distintos.

Gabber Modus Operandi —Kasimyn e Ican Harem, Denpasar, Bali— mezcla el jathilan (la danza de posesión javanesa), gabber holandés, dangdut koplo y footwork de Chicago. Dosa Besar, del álbum PUXXXIMAXXX (Yes No Wave, 2018; vinilo Danse Noire, 2021), sostiene 100 BPM durante cuatro minutos cuarenta y seis segundos con todo ocurriendo dentro. La posesión ritual y el trance de club tratados como el mismo fenómeno con distinto código de vestimenta. Kasimyn empezó a producir con el sintetizador de bolsillo Teenage Engineering OP-1. Cuando el instrumento más pequeño disponible es suficiente, la intención lo es todo.

Senyawa —Rully Shabara y Wukir Suryadi, Yogyakarta— es un universo diferente. Suryadi no toca instrumentos convencionales: los fabrica a partir de bambú, metal, cuerdas, motores eléctricos y materiales de desecho industrial. Los llama instrumentos mutantes industriales; cada uno existe una sola vez. Para Kaca Benggala —espejo de Bengala, nombre javanés del cinturón de Orión, señal de inicio de la temporada de siembra— transformó un luku, el arado tradicional javanés, en un instrumento de arco monumental fabricado para esta canción. Existe y ya no existe.

El proyecto Vajranala va más allá del disco: Senyawa construyó físicamente un monumento de tres metros y medio de altura con cuatro mil cien piezas de ladrillo rojo tallado a mano y veintiséis piedras de andesita esculpidas capaz de emitir fuego, colocado en los terrenos del Templo Brojonalan junto al Borobudur. El álbum anterior, Alkisah, fue publicado simultáneamente por cuarenta y cuatro sellos independientes de todo el mundo. La descentralización como declaración política.

El flamenco en el mapa global

La séptima parada es España. Curro Rodríguez y Flaaryr presentan Soleá, del álbum Diálogo de Piedras (Alhaja Records, AR007, 2025). El 21 de febrero de ese año, en el Taller de Músics de Barcelona, el concierto fue cortado directamente en acetato mientras ocurría. Cien copias numeradas en flexidisc transparente. Sin mezcla posterior. Sin corrección. Lo que pasó, pasó.

La soleá es el palo que la tradición flamenca ha considerado durante generaciones el eje armónico del sistema entero. Diálogo de Piedras usa piedras literalmente como instrumentos de percusión, más loops procesados en tiempo real. El propio sello lo describe como un paisaje sonoro primitivo y visceral donde el grito flamenco se encuentra con la materia.

El episodio la coloca después de la explosión de Gabber Modus Operandi porque la soleá hace lo que ningún otro track puede: reducirlo todo a lo mínimo. Una voz, una resonancia, el tiempo ralentizado hasta que se puede ver dentro. Y hay algo más: el flamenco tiene raíces que van de la India a través de Persia hasta Andalucía pasando por el norte de África. No es una música europea en el sentido en que Europa generalmente se imagina a sí misma. Es una música de bordes, de cruces, de diásporas superpuestas. Colocarla en este viaje no es un gesto forzado. Es reconocer una genealogía común que siempre estuvo ahí.

Tailandia: un casete y el tiempo físico

El episodio cierra con Noknoi Uraiphon y Nok Noi Lam Phloen, registrado en casete en la región de Isan —el noreste de Tailandia, zona de frontera con Laos y Camboya, históricamente pobre e históricamente rica en tradición oral y musical— hacia 1970-75.

Uraiphon llegó a la música a través de los concursos de radio que eran el único circuito de promoción disponible en la región durante los años sesenta. Ganó uno. Le consiguió un puesto en la banda Phet Phin Thong, pero antes de cantar fue niñera de los hijos del jefe de la banda. Eso es lo que había. De niñera pasó a bailarina de fondo. De bailarina de fondo, a estrella.

Lo que se escucha es lam phloen: una variante del molam más lenta, más narrativa, más sentada. Voz, khaen —el órgano de boca de bambú, instrumento central de Isan—, phin, percusión. Narración en verso. Un arte que venía de las festividades del templo y de las noches en el campo. El grano que se escucha en el sonido es el tiempo físico: el deterioro del acetato, el polvo, los años. Es información, no defecto.

El título significa: el pequeño pájaro hace lam phloen. El pequeño pájaro canta. Es lo que hay. Es suficiente.

La trampa y su revelación

El episodio cierra con una historia: un senador americano ciego y negro en un programa de televisión en los noventa que hizo reír al público a carcajadas con chistes sobre su ceguera, con una clase pocas veces vista. Al terminar dijo: con tanto chiste sobre mi ceguera, ni siquiera os habéis dado cuenta de que soy negro.

Mondo Exotico ha sido un poco trampa. Lo exótico es lo que no entiendes porque no has querido entenderlo. Nada de lo que sonó esta noche requiere ningún trabajo especial para ser entendido. Solo requiere atención. Que es, ya, bastante.

Preguntas frecuentes sobre Transmission Audio 2.12: Mondo Exotico

¿Qué es Transmission Audio? Transmission Audio es un podcast de música experimental, underground, electronica y global que emite sesiones temáticas de larga duración con artistas independientes de todo el mundo.

¿Por qué se llama Mondo Exotico? El título referencia el cine mondo de los años sesenta y el género musical exotica de los cincuenta, ambos construidos sobre la representación de lo ajeno desde una mirada occidental. El episodio invierte esa premisa: todos los artistas incluidos cogen el mando de su creacion, en primera persona, sobre su propio sonido y su propia geografía.

¿Qué artistas aparecen en el episodio 2.12? Arooj Aftab (Pakistán), Fatima Al Qadiri (Kuwait), Yasmine Hamdan con remix de Deena Abdelwahed (Líbano / Túnez), TENGGER (Corea del Sur / Japón), Siavash Amini (Irán), Gabber Modus Operandi (Indonesia), Curro Rodríguez & Flaaryr (España), Senyawa (Indonesia), SOTE (Irán) y Noknoi Uraiphon (Tailandia).

¿Dónde puedo escuchar Transmission Audio 2.12? El episodio está disponible en las plataformas habituales: Spotify, Apple, Amazon, iVoox, Podimo, Pocketcast y por supuesto aqui en www.vibesmagazine.blog . La duración estimada, incluyendo los temas completos, es de entre 70 y 80 minutos.

¿Qué sellos discográficos aparecen en el episodio? Hyperdub, Room40, Crammed Discs, Cardinal Fuzz, Centripetal Force, state51 Conspiracy, Opal Tapes, Alhaja Records, Yes No Wave y Danse Noire. Todos independientes. Ninguna major.

¿Qué es el lam phloen tailandés? El lam phloen es una variante del molam —la música tradicional de la región de Isan, noreste de Tailandia— más lenta y narrativa, basada en voz, khaen (órgano de boca de bambú), phin y percusión. Fue el gran arte oral de las festividades del templo y los campos de la región durante décadas.